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Music Has the Right to Children — la mémoire inventée

Boards of Canada, les synthés désaccordés et les voix d'enfance qui ne vieillissent pas

Boards of Canada1 h 08

Boards of Canada, c'est deux frères écossais, Michael Sandison et Marcus Eoin, et un collectif, Hexagon Sun, installé dans les Pentland Hills, au sud d'Édimbourg. Ils font de la musique ensemble depuis le début des années 1980 : des synthés posés sur des cassettes de radio ondes courtes, des bandes données à des amis, des trente-trois tours autoproduits. En 1995, ils publient Twoism ; en 1996, Hi Scores arrive chez Skam, après que Sean Booth d'Autechre a fait écouter la maquette au label. Skam et Warp veulent tous les deux un album : Music Has the Right to Children sortira chez les deux, au Royaume-Uni, en avril 1998, et chez Matador aux États-Unis.

L'album est enregistré dans leur studio de Pentland Hills, que la presse a appelé « le bunker » — une exagération du label, disent-ils. Le matériel est simple et volontairement ancien : des samplers, des synthés désaccordés, des boîtes à rythmes, des magnétophones à bandes. Le son est chaud, usé, comme passé par plusieurs générations de copies. Les samples viennent de la télévision, de films éducatifs, de voix d'enfants, et parfois d'un simple hasard : pendant l'enregistrement de Rue the Whirl, la fenêtre du studio est restée ouverte, et des oiseaux se sont enregistrés dans le morceau. Ils ont gardé les oiseaux.

La pochette est une photo de famille prise à Banff Springs, en Alberta, modifiée jusqu'à ce que les visages se perdent dans le grain. Le titre, lui, parle de l'intention du duo : affecter l'auditeur par le son, donner à la musique le droit de s'adresser à l'enfant qui reste en chacun. Les titres des morceaux sont des références privées, des blagues, des souvenirs — le duo dit qu'ils contiennent des « références cryptiques que l'auditeur peut comprendre ou non ». C'est un disque qui ne s'explique pas, qui se traverse.

Wildlife Analysis ouvre l'album en un peu plus d'une minute : une nappe de synthé, une mélodie qui se cherche, un souffle de bande. C'est une introduction, presque un générique, qui installe le ton avant que le rythme n'arrive. Le morceau ne cherche pas à impressionner ; il crée un espace, comme une pièce vide dans laquelle on vient d'entrer et où l'on entend encore les bruits de la maison. Les premières secondes de Music Has the Right to Children sont déjà une déclaration : ici, le son compte plus que la chanson, et le silence fait partie de la composition.

An Eagle in Your Mind dure plus de six minutes et installe le groove de l'album : une boîte à rythmes lente, des basses rondes, des nappes qui se superposent, et des voix traitées qui passent comme des souvenirs. Le rythme est hip-hop dans l'esprit, mais il ne cherche jamais la danse ; il avance avec une lourdeur douce, presque nonchalante. Le duo a expliqué ne pas s'intéresser aux styles électroniques du moment et ne pas avoir la dance music comme priorité. Ce qui compte, c'est la texture, la patine, la manière dont les éléments se fondent.

Le morceau est aussi un bon exemple de leur méthode de montage : des boucles qui ne sont jamais parfaitement carrées, des sons qui égratignent, des voix qui semblent venir d'une autre pièce. On entend des fragments de parole, des souffles, des clics. Rien n'est net, et c'est cette imprécision qui donne à la musique sa charge émotionnelle. Boards of Canada ne fabriquent pas des souvenirs ; ils fabriquent l'impression d'un souvenir, ce flou qu'on a quand on essaie de se rappeler une image d'enfance.

The Color of the Fire ne dure pas deux minutes et repose sur une boucle de voix d'enfant, traitée, ralentie, répétée jusqu'à devenir étrange. La voix vient de la télévision éducative, et l'album en tire une petite conversation à sens unique, à la fois tendre et inquiétante. On a comparé le morceau à Brian Eno, et l'on comprend pourquoi : peu d'éléments, beaucoup d'espace, une mélodie qui se dépose plutôt qu'elle ne s'impose. C'est l'un des moments où l'album touche le plus directement à l'enfance, sans jamais la montrer.

Cette voix d'enfant est aussi une des clés du disque : elle n'est pas un échantillon décoratif, elle est le matériau même. Les voix sont déformées, hachées, noyées dans la bande, et elles perdent leur origine. On ne sait plus si c'est un souvenir, une publicité, un rêve ou une menace. La musique de Boards of Canada fonctionne sur cette ambiguïté : elle est douce et légèrement inquiétante, pastorale et artificielle, nostalgique d'un temps qu'on n'a peut-être pas vécu.

Telephasic Workshop est l'un des morceaux les plus rythmiques de l'album : une batterie sèche, des basses profondes, des voix qui se croisent et se répètent comme dans une salle de classe. Le titre ne veut rien dire de précis, et c'est justement l'idée : les mots sont traités comme des sons, des textures, des objets qui perdent leur sens. Le morceau avance par couches, avec des ruptures discrètes, et il installe une tension qui ne se résout jamais complètement.

On entend dans ce morceau la culture hip-hop du duo, mais aussi une forme de retenue : les beats ne cherchent pas à frapper, ils cherchent à flotter. Les basses sont là pour porter, pas pour secouer. C'est une musique de casque, de chambre, de nuit, où les détails se révèlent à mesure qu'on monte le volume. Le morceau dure près de sept minutes, et il ne se répète pas : il se transforme lentement, par ajouts et retraits.

Turquoise Hexagon Sun est l'un des morceaux les plus mélodiques et les plus chauds du disque. Le titre reprend le nom du collectif, Hexagon Sun, et la musique a quelque chose de solaire, malgré la patine et les dissonances. Une mélodie simple se détache, portée par des accords doux, et le rythme reste discret, presque absent. C'est le genre de morceau qui donne l'impression d'entrer dans un paysage : on ne sait pas où il est, mais on reconnaît l'air.

Le contraste avec les morceaux plus rythmiques est frappant. L'album ne suit pas une progression linéaire ; il alterne les pièces courtes, les paysages, les beats, les interludes. Turquoise Hexagon Sun appartient à la veine pastorale, celle qui a fait comparer Boards of Canada à une musique folk composée avec des machines. Les synthés sont désaccordés, les bandes sont usées, mais la mélodie reste juste, comme une chanson qu'on aurait apprise sans savoir où.

Roygbiv ne dure que deux minutes et demie, et c'est l'un des morceaux les plus aimés du groupe. Le titre est l'acronyme des couleurs du spectre — rouge, orange, jaune, vert, bleu, indigo, violet — et la musique a quelque chose de lumineux, presque enfantin, avec une mélodie qui monte et redescend comme une comptine. Mais sous la simplicité, il y a une tristesse diffuse, une voix ou un souffle qui passe, et l'on ne sait pas si l'on est dans un souvenir heureux ou dans la fin d'un été.

C'est peut-être le morceau qui résume le mieux l'album : une mélodie accessible, une production usée, une émotion difficile à nommer. Boards of Canada ne cherchent pas la complexité pour elle-même ; ils cherchent une forme de justesse. Roygbiv pourrait passer à la radio, mais il ne ressemble à rien de ce qui passe à la radio. Il tient en deux minutes et demie et laisse une impression qui dure beaucoup plus longtemps.

Rue the Whirl dure six minutes et demie, et c'est le morceau où l'on entend le plus clairement les oiseaux enregistrés par accident. La fenêtre du studio était ouverte, les oiseaux se sont mêlés à la prise, et le duo a décidé de les garder. Le résultat est une musique qui semble enregistrée dans une maison à la campagne, avec le dehors qui entre par la fenêtre. Les oiseaux ne sont pas un effet : ils sont le lieu.

Le morceau avance lentement, avec des nappes, une batterie discrète, des voix qui passent. Il ne cherche pas le climax ; il laisse le temps faire son travail. C'est une des pièces qui donne à l'album sa dimension d'écologie sonore : la musique n'est pas séparée du monde, elle l'absorbe. Le titre, « rue the whirl », joue sur l'expression « rue the day » et sur le tourbillon, et la musique a quelque chose d'un tourbillon calme, qui tourne sans jamais précipiter.

Aquarius est l'un des morceaux les plus ludiques de l'album. Il reprend des samples de Sesame Street, et l'on entend des voix d'enfants, des comptines, des syllabes qui se répètent. Le morceau a été publié en même temps qu'un EP du même nom, et il montre le versant le plus pop de Boards of Canada : un rythme entraînant, une mélodie qui reste, une ambiance de fête d'école. Mais le traitement est toujours étrange, comme si la fête était vue à travers une vitre.

Le contraste entre la joie apparente et la mélancolie de fond est au cœur du disque. Les voix d'enfants ne sont pas innocentes : elles sont traitées, répétées, coupées, et elles perdent leur naturel. C'est cette tension qui rend l'album si particulier. Boards of Canada ne célèbrent pas l'enfance ; ils en font un matériau, un son, une couleur, et ils laissent l'auditeur décider ce qu'il ressent.

Olson ne dure qu'une minute et demie, et c'est un interlude : une mélodie douce, des nappes, un rythme à peine perceptible. Il fonctionne comme une respiration entre deux morceaux plus longs, et il montre que l'album est pensé comme une suite, pas comme une collection de titres. Les morceaux courts — Wildlife Analysis, The Color of the Fire, Olson, One Very Important Thought — ne sont pas des remplissages : ils donnent le rythme de l'écoute, ils créent des pauses, des transitions, des moments de flottement.

C'est une des leçons de Music Has the Right to Children : un album peut être une architecture de durées. Les longs morceaux ont besoin des courts, les beats ont besoin des paysages, et le silence entre les morceaux fait partie de la composition. Boards of Canada pensent en termes de séquence, de climat, de circulation. Olson est un couloir, pas une pièce.

Pete Standing Alone emprunte son titre au personnage principal de Circle of the Sun, un documentaire de Colin Low produit par l'Office national du film du Canada en 1960. Le film parle de Pete Standing Alone, un homme de la nation Kainai, et de la transmission d'une culture. Le morceau n'illustre pas le film ; il en prend le nom, et il en garde quelque chose de grave, de solitaire. La musique est lente, ample, avec des nappes qui ressemblent à un paysage ouvert.

C'est un des morceaux où l'album regarde vers l'extérieur, vers une histoire qui n'est pas seulement celle du duo. Le titre est une référence, pas une citation, et il faut se garder d'y voir un commentaire politique explicite. Mais la présence de ce nom, et la gravité de la musique, donnent au disque une profondeur qui dépasse la nostalgie personnelle. Boards of Canada ne racontent pas leur enfance ; ils fabriquent des lieux, des mémoires, des paysages où l'on peut projeter les siennes.

Open the Light est un des morceaux les plus lumineux de l'album, et son titre dit exactement ce qu'il fait : il ouvre une fenêtre, il laisse entrer la lumière. Une mélodie simple, des accords doux, un rythme discret, et cette voix qui passe comme un souvenir. Le morceau ne cherche pas la rupture ; il accompagne, il console. Après les tensions de la première moitié, il donne l'impression que l'album respire.

Cette douceur n'est jamais naïve. Les sons sont usés, les accords légèrement faux, les voix traitées, et la lumière a quelque chose de crépusculaire. C'est une lumière de fin d'après-midi, pas de plein midi. Boards of Canada travaillent sur cette ambivalence : leurs morceaux les plus doux sont aussi les plus mélancoliques, parce qu'ils savent que la lumière finit toujours par baisser.

Happy Cycling est un bonus sur les éditions américaine de 1998 et britannique de 2004, et il ferme l'album sur huit minutes de montée lente. Le morceau part d'un motif simple, ajoute des couches, des cris d'oiseaux, des nappes, et finit par une sorte d'apesanteur. C'est le morceau le plus long du disque, et il fonctionne comme une sortie : on quitte la maison, on regarde le paysage, on laisse la musique s'éloigner.

L'album a été accueilli très favorablement à sa sortie, et il est devenu une référence de l'electronica. Pitchfork l'a classé 26e des meilleurs albums des années 1990 et 2e des meilleurs albums d'IDM ; Mojo l'a mis dans ses 100 classiques modernes ; il figure dans 1001 Albums You Must Hear Before You Die. Des artistes comme Four Tet, Tim Hecker, Bibio, Gold Panda, Lone ou Ulrich Schnauss l'ont cité comme une influence. C'est un disque qui a marqué une génération de producteurs, et qui continue de circuler auprès de ceux qui n'ont pas connu 1998.

Ce qui reste, c'est une méthode : prendre des sons usés, des voix d'enfance, des synthés désaccordés, et en faire une musique qui semble avoir toujours existé. Music Has the Right to Children n'est pas un album de nostalgie au sens facile ; c'est un album qui invente une mémoire, avec ses images, ses lumières, ses oiseaux et ses fantômes. On ne sait pas d'où il vient, mais on a l'impression de l'avoir déjà entendu. C'est peut-être la plus belle réussite de Boards of Canada : faire croire que le souvenir précède la musique.

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subtitle: Boards of Canada, les synthés désaccordés et les voix d'enfance qui ne vieillissent pas
summary: Un album d'electronica écossais sorti en 1998, fait de bandes usées, de synthés vintage et de souvenirs qui n'appartiennent à personne. Une écoute lente, entre pastorale et inquiétude.
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- album: Music Has the Right to Children
artist: Boards of Canada
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Boards of Canada, c'est deux frères écossais, Michael Sandison et Marcus Eoin, et un collectif, Hexagon Sun, installé dans les Pentland Hills, au sud d'Édimbourg. Ils font de la musique ensemble depuis le début des années 1980 : des synthés posés sur des cassettes de radio ondes courtes, des bandes données à des amis, des trente-trois tours autoproduits. En 1995, ils publient *Twoism* ; en 1996, *Hi Scores* arrive chez Skam, après que Sean Booth d'Autechre a fait écouter la maquette au label. Skam et Warp veulent tous les deux un album : *Music Has the Right to Children* sortira chez les deux, au Royaume-Uni, en avril 1998, et chez Matador aux États-Unis.

L'album est enregistré dans leur studio de Pentland Hills, que la presse a appelé « le bunker » — une exagération du label, disent-ils. Le matériel est simple et volontairement ancien : des samplers, des synthés désaccordés, des boîtes à rythmes, des magnétophones à bandes. Le son est chaud, usé, comme passé par plusieurs générations de copies. Les samples viennent de la télévision, de films éducatifs, de voix d'enfants, et parfois d'un simple hasard : pendant l'enregistrement de *Rue the Whirl*, la fenêtre du studio est restée ouverte, et des oiseaux se sont enregistrés dans le morceau. Ils ont gardé les oiseaux.

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*Wildlife Analysis* ouvre l'album en un peu plus d'une minute : une nappe de synthé, une mélodie qui se cherche, un souffle de bande. C'est une introduction, presque un générique, qui installe le ton avant que le rythme n'arrive. Le morceau ne cherche pas à impressionner ; il crée un espace, comme une pièce vide dans laquelle on vient d'entrer et où l'on entend encore les bruits de la maison. Les premières secondes de *Music Has the Right to Children* sont déjà une déclaration : ici, le son compte plus que la chanson, et le silence fait partie de la composition.

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*An Eagle in Your Mind* dure plus de six minutes et installe le groove de l'album : une boîte à rythmes lente, des basses rondes, des nappes qui se superposent, et des voix traitées qui passent comme des souvenirs. Le rythme est hip-hop dans l'esprit, mais il ne cherche jamais la danse ; il avance avec une lourdeur douce, presque nonchalante. Le duo a expliqué ne pas s'intéresser aux styles électroniques du moment et ne pas avoir la dance music comme priorité. Ce qui compte, c'est la texture, la patine, la manière dont les éléments se fondent.

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*The Color of the Fire* ne dure pas deux minutes et repose sur une boucle de voix d'enfant, traitée, ralentie, répétée jusqu'à devenir étrange. La voix vient de la télévision éducative, et l'album en tire une petite conversation à sens unique, à la fois tendre et inquiétante. On a comparé le morceau à Brian Eno, et l'on comprend pourquoi : peu d'éléments, beaucoup d'espace, une mélodie qui se dépose plutôt qu'elle ne s'impose. C'est l'un des moments où l'album touche le plus directement à l'enfance, sans jamais la montrer.

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*Telephasic Workshop* est l'un des morceaux les plus rythmiques de l'album : une batterie sèche, des basses profondes, des voix qui se croisent et se répètent comme dans une salle de classe. Le titre ne veut rien dire de précis, et c'est justement l'idée : les mots sont traités comme des sons, des textures, des objets qui perdent leur sens. Le morceau avance par couches, avec des ruptures discrètes, et il installe une tension qui ne se résout jamais complètement.

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*Turquoise Hexagon Sun* est l'un des morceaux les plus mélodiques et les plus chauds du disque. Le titre reprend le nom du collectif, Hexagon Sun, et la musique a quelque chose de solaire, malgré la patine et les dissonances. Une mélodie simple se détache, portée par des accords doux, et le rythme reste discret, presque absent. C'est le genre de morceau qui donne l'impression d'entrer dans un paysage : on ne sait pas où il est, mais on reconnaît l'air.

Le contraste avec les morceaux plus rythmiques est frappant. L'album ne suit pas une progression linéaire ; il alterne les pièces courtes, les paysages, les beats, les interludes. *Turquoise Hexagon Sun* appartient à la veine pastorale, celle qui a fait comparer Boards of Canada à une musique folk composée avec des machines. Les synthés sont désaccordés, les bandes sont usées, mais la mélodie reste juste, comme une chanson qu'on aurait apprise sans savoir où.

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*Roygbiv* ne dure que deux minutes et demie, et c'est l'un des morceaux les plus aimés du groupe. Le titre est l'acronyme des couleurs du spectre — rouge, orange, jaune, vert, bleu, indigo, violet — et la musique a quelque chose de lumineux, presque enfantin, avec une mélodie qui monte et redescend comme une comptine. Mais sous la simplicité, il y a une tristesse diffuse, une voix ou un souffle qui passe, et l'on ne sait pas si l'on est dans un souvenir heureux ou dans la fin d'un été.

C'est peut-être le morceau qui résume le mieux l'album : une mélodie accessible, une production usée, une émotion difficile à nommer. Boards of Canada ne cherchent pas la complexité pour elle-même ; ils cherchent une forme de justesse. *Roygbiv* pourrait passer à la radio, mais il ne ressemble à rien de ce qui passe à la radio. Il tient en deux minutes et demie et laisse une impression qui dure beaucoup plus longtemps.

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*Rue the Whirl* dure six minutes et demie, et c'est le morceau où l'on entend le plus clairement les oiseaux enregistrés par accident. La fenêtre du studio était ouverte, les oiseaux se sont mêlés à la prise, et le duo a décidé de les garder. Le résultat est une musique qui semble enregistrée dans une maison à la campagne, avec le dehors qui entre par la fenêtre. Les oiseaux ne sont pas un effet : ils sont le lieu.

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*Aquarius* est l'un des morceaux les plus ludiques de l'album. Il reprend des samples de *Sesame Street*, et l'on entend des voix d'enfants, des comptines, des syllabes qui se répètent. Le morceau a été publié en même temps qu'un EP du même nom, et il montre le versant le plus pop de Boards of Canada : un rythme entraînant, une mélodie qui reste, une ambiance de fête d'école. Mais le traitement est toujours étrange, comme si la fête était vue à travers une vitre.

{{insert:track title="Olson" artist="Boards of Canada" album="Music Has the Right to Children" year=1998 tidal=16024569 duration=92 yt=6_lzNFjqGiw}}

*Olson* ne dure qu'une minute et demie, et c'est un interlude : une mélodie douce, des nappes, un rythme à peine perceptible. Il fonctionne comme une respiration entre deux morceaux plus longs, et il montre que l'album est pensé comme une suite, pas comme une collection de titres. Les morceaux courts — *Wildlife Analysis*, *The Color of the Fire*, *Olson*, *One Very Important Thought* — ne sont pas des remplissages : ils donnent le rythme de l'écoute, ils créent des pauses, des transitions, des moments de flottement.

C'est une des leçons de *Music Has the Right to Children* : un album peut être une architecture de durées. Les longs morceaux ont besoin des courts, les beats ont besoin des paysages, et le silence entre les morceaux fait partie de la composition. Boards of Canada pensent en termes de séquence, de climat, de circulation. *Olson* est un couloir, pas une pièce.

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*Pete Standing Alone* emprunte son titre au personnage principal de *Circle of the Sun*, un documentaire de Colin Low produit par l'Office national du film du Canada en 1960. Le film parle de Pete Standing Alone, un homme de la nation Kainai, et de la transmission d'une culture. Le morceau n'illustre pas le film ; il en prend le nom, et il en garde quelque chose de grave, de solitaire. La musique est lente, ample, avec des nappes qui ressemblent à un paysage ouvert.

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*Open the Light* est un des morceaux les plus lumineux de l'album, et son titre dit exactement ce qu'il fait : il ouvre une fenêtre, il laisse entrer la lumière. Une mélodie simple, des accords doux, un rythme discret, et cette voix qui passe comme un souvenir. Le morceau ne cherche pas la rupture ; il accompagne, il console. Après les tensions de la première moitié, il donne l'impression que l'album respire.

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*Happy Cycling* est un bonus sur les éditions américaine de 1998 et britannique de 2004, et il ferme l'album sur huit minutes de montée lente. Le morceau part d'un motif simple, ajoute des couches, des cris d'oiseaux, des nappes, et finit par une sorte d'apesanteur. C'est le morceau le plus long du disque, et il fonctionne comme une sortie : on quitte la maison, on regarde le paysage, on laisse la musique s'éloigner.

L'album a été accueilli très favorablement à sa sortie, et il est devenu une référence de l'electronica. Pitchfork l'a classé 26e des meilleurs albums des années 1990 et 2e des meilleurs albums d'IDM ; *Mojo* l'a mis dans ses 100 classiques modernes ; il figure dans *1001 Albums You Must Hear Before You Die*. Des artistes comme Four Tet, Tim Hecker, Bibio, Gold Panda, Lone ou Ulrich Schnauss l'ont cité comme une influence. C'est un disque qui a marqué une génération de producteurs, et qui continue de circuler auprès de ceux qui n'ont pas connu 1998.

Ce qui reste, c'est une méthode : prendre des sons usés, des voix d'enfance, des synthés désaccordés, et en faire une musique qui semble avoir toujours existé. *Music Has the Right to Children* n'est pas un album de nostalgie au sens facile ; c'est un album qui invente une mémoire, avec ses images, ses lumières, ses oiseaux et ses fantômes. On ne sait pas d'où il vient, mais on a l'impression de l'avoir déjà entendu. C'est peut-être la plus belle réussite de Boards of Canada : faire croire que le souvenir précède la musique.